近日，有艺术评论家指出，当下美术界创作的标签化倾向炽烈。“如画人物，你将脑袋画成没有额头的，我画的都是鼻孔朝天的;画山水，你来个无勾无皴、一路染到底，我来个钝笔圆点、凡线皆似蚯蚓……”那么，标签化书画的艺术价值与美术意义到底如何？导致艺术创作标签化的原因有哪些？且看专家们的界定和论辩。

中国国家画院副院长 张江舟—

标签化是为迎合市场刻意为之

什么样的作品体现风格类型，什么样的作品属于标签化，这两者之间有着严格的学术界定。简言之，风格类型是一个画家成熟的标志，而标签化往往是为了迎合市场刻意为之。

一位画家，一旦他的审美感觉、审美追求达到一定的高度，通常会形成审美的一贯性，画风也会趋于稳定，由此形成比较鲜明的个人风格，观众一眼就能辨认出他的作品。这是一个水到渠成的过程，和画家的个性特征、文化积累及人生阅历紧密相关。只有画家的个人修养达到某种高度后，才会形成自己非常突出的个人风格，代表了他的基本审美追求和判断。历史上的大画家皆如此，无论是齐白石、傅抱石、徐悲鸿等，都有自己典型的艺术风格。假如一位画家作品面貌变化多端、忽左忽右，这说明该画家还没形成自己的审美判断，还在寻找自己的风格。如果一个画家一辈子画不出自己的面貌，就不可能成为大家了。

所谓的标签化，则是这样一种情况：作品呈现的面貌未必是画家长期积累、修为所形成的主动性审美追求，而仅仅是为了引发人们的关注度而制造的一种奇怪的、貌似个性的画面特征，甚至走向了“怪力乱神”，以为这样就能增加自己的辨识度。这恐怕和当前整个艺术品市场的繁荣有关，很多画家都想分一杯羹，唯恐别人不认识自己，因此有意识地弄一张标签化的面孔，以迎合市场。

除此之外，美术界有一些相对年轻的作者，由于天分比较高，很早就形成了自己的个人风格，这不能简单地归结为标签化，但此后他的创作便固化了，十年、二十年都一成不变或者不敢改变，这也是一个值得深入思考的问题。因为人的审美倾向会随着个人阅历的增长、修养的加深，不断进行调整，一个成熟的画家，其作品风格往往会随着年龄的变化有一个演变的过程。假如一位画家的风格早早定型固化，原因可能有二：一是画家的天分不够，后劲不足，因此停滞不前；二是画家的这种风格类型被市场接受、被学术界认可，从此他不敢再变了，怕市场翻脸不认人，作品价格下跌，因此只能不停地重复自己。而后一种因素的干扰，恐怕是最主要的。

我一直认为，市场是把双刃剑，虽然艺术品市场的介入，推动了创作的繁荣，但也让一些缺乏定力的画家养成了惰性，甚至“一心一意”迎合市场。而标签化是比风格固化更为直接的迎合方式，必须加以警惕。

广州美术学院教授、“卡通一代”创始人

黄一瀚—

一部世界美术史就是标签史

在我看来，标签化是一个很中性的词汇，每一位画家都应该寻找自己个性化的标签，这是最起码的要求。没有标签，难成一格，难称艺术。譬如“卡通一代”，就是我的标签。允许画家“贴标签”，这实在也是历史的进步，惟其如此，才能避免艺术上的千人一面。至于标签的高低，能否为历史所承认，美术史学家们才是仲裁者，他们才应该去探究。画家只要按照自己的理解去表达、去创造就可以了。

当年，我读书的时候，大家都在比谁画得准、画得像。比来比去，就是写实一条路子、一个模样。到了今天，画家们可以放开地比谁创造了自己的风格、树立了自我的标签，这绝对是好事情。

我现在的学生们，从入学第一天就明白一个道理—必须寻找到自己的“标签”，而且越早开始越好，不能说50岁以后再去寻找，那时候可能已经被时代抛下不知多少公里了，再怎么拔足狂奔恐怕也难以追上。今天，我们时代的号角是要彰显个性，表现自我，画家想跟随这个时代，自然要早早地给自己“贴标签”。何况，艺术是天才的产物，如果一个画家很早就发现了自己的天才，拥有了自己的“标签”，对整个艺术界而言，不正是多了一朵争奇斗艳的鲜花？张爱玲早就说过：“成名要趁早。”最近大热的萧红，只活了31岁，可是她的小说就是很灵动、很特别，那便是她的标签，是其天分的自然流淌，谁也不能轻易学到。

评论家书写美术史时，最主要就是寻找画家的标签，比如古典主义印象派、后印象派、超现实主义、波普艺术等等，一部美术史就是标签史。当然，不是哪位画家想贴标签就能成功的，有大标签、小标签之分，大的要有充分的能量去反映社会史和美术史的大动脉，小的标签则只能小小意思罢了，标签还有真标签、假标签，真的要有观念切入点和艺术语言的发现、创造和重构，假的就是毫无创造地拿一些古人的画和现成的画来拼凑模仿，但这只有懂艺术的人方才明白。

所以，艺术家有意识地寻找自己的标签，其实就是发现自己天赋的过程。哪怕大浪淘沙，最后能经得住时间淘汰的不多，但正是有了这样的潮流，才可能出现真正的波峰—大师将在这些风格各异的画家中间产生。至于历史最后选择了谁，其实跟画家本人已经关系不大了。

著名收藏家 郭庆祥—

标签越醒目离艺术本源越远

“标签化”意指艺术表现上的程式化、标准化的“生产”，甚至是相同题材、相同内容的无限重复，而个人风格绝非如此。吴冠中曾说过，个人风格就像自己身后的影子，自己是看不到的，但它永远跟着你。

我们都知道，现在国画界的一些山水画，一张画与另一张画的区别就是山头、树木或溪水等挪动了位置，而造型和表现手法都是程式化的组装；一些人物画则是同类题材的不断重复，像“老子出关”的画面，永远是一个老头、一个童孩和一头牛；“钟馗像”永远是黑须红袍加佩剑。人物造型、动作、姿势数千张甚至上万张都雷同。这类作品就是标签化制作的典型，如同机械化生产，有的更是流水作业。

是什么导致艺术创作标签化愈演愈烈？我想原因有二：

一是对中国画创作和传统继承的误读，有的画家把个人风格当成了“商标设计”，一辈子就重复这样的表现样式，这其实不是艺术创作，仅仅是一名熟练工而已。机械化的反复不仅消灭了艺术上的创新，更谈不上倾注了艺术家的感情。有的人把中国画的程式表现等同于传统戏曲的程式化表演，这是一种大大的误读，与现代文化精神和艺术发展格格不入；

二是作品被市场和金钱所绑架。当一种艺术表现方式受到先期市场认可后，因为作品好卖就被无限复制，从而形成了自己的标签样式。因为，艺术创新就意味着市场风险，而保持原来的标签就可“一劳永逸”，不断在市场中捞金。

因此，标签化的作品，其实只是商业产品，而非真正的艺术创造。当千百件绘画作品如同一件作品时，它们凭什么可以称之为艺术品？我们又凭什么用买艺术品的高价格去买这些标签化的产品？

作为艺术品收藏者和鉴赏者，我们要清醒地意识到，标签越醒目，离艺术本源越远；风格越强烈，越接近艺术本真。只有技术铺陈，没有灵趣忽现，就不可能造就优秀的艺术作品。标签类作品的泛滥，意味着这些作品已经走进了死胡同，有今天没明天。标签式的国画创作，也难以在国际上获得影响。

艺术评论家、画家 梁江—

反复强调标签的画家是忽悠

画家的风格化、符号化表达如果是在艺术的本体逻辑里进行的，应该得到鼓励和张扬，如果变成外加的标签，那就只是一种市场营销的策略，一种忽悠的工具，观众和藏家都要当心了。

画家追求个性风格，是必然和必须的；否则，作品没有创造力，毫无新意可言，是不可能在艺术史上立足的。但画家追求个人风格，就牵涉到了一个艺术的符号化问题。一些艺术家为了提炼自己的形式语言，彰显自己的艺术风格，在某些方面有所强化，譬如岳敏君作品中的大头，就是符号化的表达。符号化如果用得适度、合理，自然是艺术创造的一种方式，但如果符号变成了一种标签，就有害无益了。

所谓标签，是指作品中那些外加的，并非从艺术本体中生长出来的特征。由于这个时代强调个性，一些画家为了营销、忽悠，就通过某种与众不同的表达，来强调个性，凸显自己，以求名利双收。其实，他的作品中，既没有真正的艺术风格，更谈不上真正的符号。这当中的界限该如何划分，无疑必须从艺术作品出发，从画家的创造力出发。

画家个性风格的形成，其实很复杂，是天时、地利、人和等因素共同作用的结果。各种状况可能都是促使他的创作风格变异、变革的机遇。艺术创造也一样，很多时候是众里寻她千百度，什么也没有，直到蓦然回首，才忽然顿悟。因此，辨识一位画家的作品是否有独特的风格，是否有创造性，要对艺术史很熟悉，要对画家的个人情怀、所受的教育有深入了解，要将画家放置到他的时代和人生际遇中去进行综合考量，才能有所判断。

事实上，能够获得理论界认可、经得起历史的检验、具有真正个性风格的画家，是很少的；创造了崭新符号、在艺术史上形成了某种突破性语言的画家，更是少之又少。因此，在当下整个社会都比较功利化、真正纯粹的艺术家越来越少的情况下，我们千万不能被蒙蔽，以为一个艺术家不停地重复某种画面，强化某种样式，就是风格和符号。很多时候，那不过是营销策略，以此掩盖自己创作上的贫弱。